C’était le Gepetto d’ET” expliquait récemment Spielberg. Son père donc; celui qui avait su lui insuffler la vie, ou mieux le pneuma, son souffle vital.
Table des matières Qui est le père du fils de Joan Baez ? Qui chante avec Joan Baez ? Quel âge Joan Baez ? Quelle est l'origine de Joan Baez ? Où vit Joan Baez ? Où est né John Baez ? Quel est le timbre de voix de Joan Baez ? Qui est le mari de Joan Baez ? Qui est la femme de Bob Dylan ? Qui est David Harris ? Quel est l'âge de Bob Dylan ? Quel est le vrai nom de Bob Dylan ? Qui es Bob Dylan ? Qui a découvert Bob Dylan ? Pourquoi Bob Dylan Est-il connu ? Quelle est l'origine de Bob Dylan ? Qui sont les parents de Bob Dylan ? Où est né Bob Dylan ? Comment Robert Zimmerman Est-il mieux connu ? Qui est le père du fils de Joan Baez ? Albert Baez Joan Baez/Pères Qui chante avec Joan Baez ? Joan Baez Joan Baez/Artistes Quel âge Joan Baez ? 80 ans 9 janvier 1941 Joan Baez/Âge Quelle est l'origine de Joan Baez ? Staten Island Joan Chandos Baez naît le 9 janvier 1941, à Staten Island État de New York. Fille d'un physicien d'origine mexicaine que l'enseignement et la recherche mènent notamment à New York et en Californie, Joan Baez déménage souvent. Où vit Joan Baez ? Californie Brooklyn Joan Baez/Lieux de résidence Joan Baez vit en Californie, parcourt le monde... Et pourtant, le château de Canisy reste un haut-lieu de son coeur. Elle y passe le plus souvent possible lors de ces tournées en Europe, une par an. Où est né John Baez ? Staten Island, New York, État de New York, États-Unis Joan Baez/Lieu de naissance Quel est le timbre de voix de Joan Baez ? Photo Herbert Pfarrhofer Agence France-Presse Le timbre de la voix de Joan Baez est beau, doux, chaud. L'interprète a baissé les tonalités, elle n'est pas là pour se battre avec les notes depuis longtemps hors d'atteinte. Qui est le mari de Joan Baez ? David Harrism. Joan Baez/Époux Vie privée. Entre 19, Joan Baez est mariée à David Harris en, un militant pacifiste avec lequel elle a un fils, le futur percussionniste Gabriel Harris, né en décembre 1969 . Son mari est condamné à trois ans de prison pour son engagement contre la guerre. Qui est la femme de Bob Dylan ? Carolyn Dennism. Sara Dylanm. Bob Dylan/Épouse Qui est David Harris ? David Harris est un programmeur de Dunedin en Nouvelle-Zélande. ... Il est l'auteur de logiciel de courrier Pegasus Mail et de Mercury Mail Transport System, et est membre de l'Université d'Otago. Avant de faire du logiciel, David Harris était photographe. Quel est l'âge de Bob Dylan ? 80 ans Bob Dylan/Âge Quel est le vrai nom de Bob Dylan ? Robert Allen Zimmerman Un passionné de musique Bob Dylan, de son vrai nom Robert Allen Zimmerman, naît en 1941, issu d'une famille juive émigrée aux États-Unis. Qui es Bob Dylan ? Bob DylanNaissance Duluth Minnesota, États-UnisActivitésAuteur-compositeur, acteur, poète, guitariste, peintre, réalisateur artistique, réalisateur, parolier, compositeur, scénariste, disc jockey, chanteur, animateur de radio, designer, écrivain, musicienPériode d'activitéDepuis 1962PèreAbram Zimmerman d8 autres lignes Qui a découvert Bob Dylan ? Philippe Saville Découvert par le réalisateur Philippe Saville à Greenwich Village, Dylan part pour Londres en décembre 1962 et participe à une pièce télévisée Madhouse on Castle Street, diffusée le soir du 13 janvier 1963 à la BBC. Pourquoi Bob Dylan Est-il connu ? Bob Dylan, né le dans le Minnesota, est un auteur, compositeur et interprète majeur. Chanteur engagé depuis les années 1960 avec des chansons devenues des hymnes anti-guerre comme Blowin' in the Wind, son univers musical, aux sources d'inspiration multiples, se renouvelle au fil des décennies. Quelle est l'origine de Bob Dylan ? Un passionné de musique Bob Dylan, de son vrai nom Robert Allen Zimmerman, naît en 1941, issu d'une famille juive émigrée aux États-Unis. Ses parents, Beatrice Stone, couturière, et Abraham Zimmerman, employé dans une compagnie pétrolière, vivent à Duluth dans le Minnesota. En 1947, la famille s'installe à Hibbing. Qui sont les parents de Bob Dylan ? Abraham Zimmerman Beatrice Stone Bob Dylan/Parents Où est né Bob Dylan ? Duluth, Minnesota, États-Unis Bob Dylan/Lieu de naissance Comment Robert Zimmerman Est-il mieux connu ? Robert Allen Zimmerman, dit Bob Dylan [bɑb ˈdɪlən], est un auteur-compositeur-interprète, musicien, peintre, sculpteur, cinéaste et poète américain, né le à Duluth, dans le Minnesota. Il est l'une des figures majeures de la musique populaire nord-américaine et occidentale.
Depuisle 20 février et jusqu’au 4 mars la Cinémathèque française montre tous les films de Maurice Pialat. Cette rétrospective est accompagnée d’une exposition qui permet de découvrir les toiles et dessins de Pialat, qui fut peintre avant d’être cinéaste durant la première période artistique de sa vie (de 1942 à 1946.)
Imprimer E-mail Il est toujours difficile d'être le fils de son père, surtout lorsqu'on se nomme Renoir et que l'un, Jean, aspire par le cinéma à partager la célébrité de l'autre, le peintre, Pierre-Auguste. Toute sa vie, le cinéaste Jean Renoir a vécu dans l'ombre de son père, avec le sentiment d'être un raté. Dans la Règle du Jeu, film de 1939, interprétant le rôle d'Octave, il confie à sa partenaire, Nora Gregor, sur le perron du château de la Ferté Saint-Aubin, ce lourd secret qui lui pèse et dont il ne parvient pas à se défaire. Boudé par le public, si ce n'est à l'occasion de la sortie d'un seul film, La Grande Illusion de 1937, il a le sentiment de ne pas être à la hauteur de ce père à l'égard duquel il nourrit un sentiment de culpabilité. On le mesure dans La Chienne, film de 1931, dans lequel Jean Renoir raconte la déchéance d'un employé de banque, interprété par Michel Simon, qui vend tous les tableaux qu'il peint à ses heures de loisir pour entretenir sa maîtresse, une femme de mauvaise vie. Cette fiction, malgré son issue tragique, n'est pas sans rapport avec la réalité que connaît Jean Renoir, lui qui a épousé Catherine Hessling, dernier modèle de son père et actrice de ses premiers films. C'est pour elle qu'il dilapide son patrimoine en vendant les tableaux de son père. Peine perdue. Le succès n'est pas au rendez-vous. Ainsi un sentiment d'échec et de honte va l'habiter toute sa vie et parcourir toute son oeuvre. Le souvenir de ce père dont il se sent redevable, le hante. Sur le tard, alors que sa santé déclinante l'oblige à une activité réduite, c'est encore à son père qu'il consacre son temps en écrivant ce merveilleux livre autobiographique qu'il intitule tout simplement Pierre-Auguste Renoir, mon père. Il est très tentant aujourd'hui, lorsque l'on revoit Partie de campagne, de mesurer, dans ce petit film de 1936 l'influence picturale du père. Jean Renoir va tourner ce film dans cette propriété familiale de Marlotte, où Pierre-Auguste Renoir venait, avec des amis peindre sur le vif les canotiers sur le Loing. De même, plus de vingt ans plus tard, il plantera le décor du Déjeuner sur l'herbe dans le domaine des Collettes, aujourd'hui Musée Renoir de Cagnes-sur-Mer où Pierre-Auguste Renoir, sur la fin de sa vie venait peindre tout en soignant ses rhumatismes déformants. On pourrait s'amuser à repérer et compter les plans de Partie de campagne qui renvoient, telles des citations, aux tableaux non seulement de son père mais également d'autres peintres qui travaillaient sur les mêmes motifs comme Caillebotte ou Monet. Mais on se tromperait lourdement si l'on croyait que Renoir cherche à reproduire dans son film ces modèles picturaux prestigieux. D'ailleurs les plans qui semblent le plus relever de l'école impressionniste, ne sont pas de Renoir mais de collaborateurs qui les exécutèrent en l'absence du patron » occupé à la préparation de son film suivant, Les Bas-Fonds. Pour bien comprendre ce rapport qu'il entretient avec la peinture, il faut souligner que Jean Renoir a vécu, toute sa vie, dans un environnement de peintres et c'est tout naturellement que son imaginaire s'est nourri des motifs , des sujets qui les ont inspirés. Les reflets des ciels changeants sur la surface de l'eau en mouvement, les vibrations lumineuses dans les frondaisons, les plaisirs des guinguettes au bord de l'eau construisent l'univers d'un cinéaste qui était d'abord le fils d'un peintre ». Le goût de la nature, l'amour des femmes qui habitent tous les films de Renoir relèvent de cet héritage sur lequel il revient dans ses Ecrits 1926-1971 Très souvent, des amis me demandent si je puis me considérer comme un élève de mon père. A cela, je leur réponds très fermement que non, je suis certainement influencé par mon père parce qu'on est toujours influencé par ses parents. Si j'avais été le fils d'un horticulteur, il est probable que je m'y connaîtrais en fleurs, en plantes, en jardins. Etant fils de peintre, il est évident que la peinture m'intéresse et, quand on regarde la peinture, eh, bien, la peinture vous influence. » S'il est un motif, dans ce film, qu'il emprunte à l'œuvre picturale du père, c'est bien sûr celui de la balançoire par laquelle Henriette, l'héroïne, interprétée par Sylvia Bataille, excite la curiosité et le désir des canotiers. Loin de recopier le tableau de son père, il s'en démarque. Alors que seule la mère est sur la balançoire du peintre, le cinéaste met en scène deux femmes, Henriette et sa mère et finit par isoler la première qui finit par s'exposer, avec toute l'innocence d'une vierge, aux regards des autres personnages et de la caméra. A la fixité du cadre pictural, Jean Renoir répond par la mobilité de sa caméra qui tourne autour du portique comme pour éliminer les gêneurs que sont la grand-mère, le mari et le fiancé, et isoler les deux femmes qui s'offrent alors aux regards chargés de convoitise des canotiers, des jeunes garnements, des séminaristes en promenade et bien sûr des spectateurs. Le cinéaste relève dans cette séquence un double défi. Tout en cherchant à s'affirmer face à l'œuvre de son père, il s'impose des contraintes techniques au service de son projet. En positionnant la caméra sur la balançoire, l'image animée de mouvements verticaux est à même de traduire le vertige éprouvé par Henriette mais aussi par les différents voyeurs, spectateurs compris que les dessous de la jeune fille excitent. Ainsi Jean Renoir s'écarte-t-il de la référence paternelle pour retrouver à travers elle un tableau de Fragonard, intitulé Les Hasards heureux de l'escarpolette, tant admiré par Pierre-Auguste Renoir. Ce dialogue que Jean Renoir noue avec la peinture est au service de sa stratégie narrative. La peinture, comme le cinéma posent le problème du regard qui peut se faire voyeur. A partir de cette séquence construite en référence à cette œuvre picturale, la caméra, dans Partie de campagne, a toujours un temps d'avance sur les personnages, comme si le destin de Henriette était conditionné par les attentes des spectateurs. Alors, juste avant de céder au canotier entreprenant, elle jette aux spectateurs, en gros plan, ce regard caméra , regard interdit qui les débusque dans leur position confortable de voyeur. Ainsi la balançoire, de motif pictural devient un motif cinématographique. Jean Renoir se démarque de l'œuvre de son père qui l'a nourri pour construire son regard de cinéaste. Au-delà de cet exemple célèbre, on comprend pourquoi Jean Renoir, malgré ses insuccès ou la piètre opinion qu'il pouvait avoir de lui-même, est considéré par tous les grands cinéastes comme la référence absolue, le maître, le patron. C'est certainement à l'influence de son père qu'il le doit. Dans son livre autobiographique, Pierre-Auguste Renoir, mon père, il rappelle que ce père, tant admiré, resta jusqu'au jour de sa mort à l'affût du motif ». Cette attitude de chasseur qui consiste à peindre devant le sujet pour mieux saisir la lumière et retranscrire avec toute la fraîcheur de la spontanéité, la sensation éprouvée devant le motif, on la retrouve dans toute l'œuvre cinématographique de Jean Renoir. Se démarquant de ses contemporains et même de bon nombre de réalisateurs d'aujourd'hui, il a toujours adapté, par l'innovation, la technique et l'a mise au service de l'acteur. Pour lui, ce n'est pas le scénario qu'il s'agit de suivre mais l'acteur poussé à l'improvisation par le metteur en scène. Par un jeu complice, chacun donnant le meilleur de lui-même, les sentiments les plus profonds s'expriment et les situations s'enrichissent de cette émotion contenue, donnée en partage aux spectateurs. C'est la grande leçon que Jean Renoir nous a donnée et c'est à son père qu'il la doit. Louis d'Orazio Si vous êtes adhérent, identifiez-vous pour pouvoir commenter l'article
Letournage de Père fils thérapie, une coproduction entre Hubert de Vésinne (France), Denise Robert et Émile Gaudreault (Québec), a lieu sur huit semaines, soit deux à Marseille et six dans
Mon père est parti en douceur, dans sa maison du Capon, avec autour de lui l’ensemble de sa famille, dont sa femme », l’actrice Michèle Morgan, a déclaré à Reuters Danièle Thompson, la fille du a précisé que la santé de son père s’était considérablement dégradée ces derniers mois, qu’il était aveugle et Oury sera inhumé lundi au cimetière du Montparnasse à Paris, cérémonie qui devrait attirer de nombreux admirateurs du cinéaste. Il laisse un patrimoine considérable, il est tout à fait normal que ceux qui l’ont aimé puissent venir lui rendre un dernier hommage », a précisé sa président Jacques Chirac a fait part de sa grande émotion » et salué la mémoire d’un réalisateur et scénariste immensément populaire, acclamé par le public, maître du rire et de la bonne humeur », d’un formidable créateur de mythes ». Pour lui, les films de Gérard Oury font partie intégrante de notre culture et de notre imaginaire. Ils nous rappelleront toujours le souvenir d’un cinéaste extraordinairement doué, qui était aussi un homme de coeur et un véritable humaniste ».Le Premier ministre Dominique de Villepin, en visite dans le Finistère, a fait part de sa peine » et de sa tristesse ». »Je perds un ami et la France perd un de ses grands cinéastes, une grande figure du cinéma français. La Grande Vadrouille, Le Corniaud et Rabbi Jacob sont dans toutes les mémoires, cela fait partie du patrimoine des familles françaises, de ses films qu’on voit et revoit avec un bonheur identique », a dit le Premier ministre. »Gérard Oury est aussi un merveilleux représentant de l’esprit français, de l’humour, de la générosité, de la tendresse, avec des scènes mémorables qui appartiennent presque à nos vies », a-t-il poursuivi. Le maître du duo comiqueSorti en décembre 1966, La Grande Vadrouille, avec en vedette Louis de Funès et Bourvil, irrésistible duo comique déjà réunis dans Le Corniaud, avait attiré plus de 17 millions de spectateurs – le plus gros succès en France jusqu’à la sortie de Titanic en Oury naît le 29 avril 1919 à Paris, fils d’un violoniste, Serge 17 ans, il suit les cours de René Simon et entre au Conservatoire aux côtés de Bernard Blier et François Périer. Pensionnaire de la Comédie française en 1939 et 1940, il monte sur scène dans Britannicus mais doit bientôt fuir les lois antijuives du régime de Vichy et partir pour la en France après la guerre, il joue au théâtre tout en abordant quelques seconds rôles au cinéma, et passe à la réalisation en 1959 en tournant La Main 1961, Le Crime ne paie pas, avec Louis De Funès, est son premier succès comme ans plus tard, les pérégrinations en Italie et dans le sud de la France de son corniaud », Antoine Maréchal Bourvil, manipulé par l’ignoble trafiquant Léopold Saroyan De Funès, sont un succès phénoménal, avec 12 millions de confirmé et dépassé par La Grande Vadrouille près de trois ans plus tard, une comédie sur fond d’occupation allemande, avec un aussi époustouflant qu’irritant Louis de Funès en chef d’orchestre irascible, Stanislas Lefort, et un Bourvil aussi tendre que benêt, le peintre en bâtiment Augustin sont ensuite Le Cerveau 1968, La Folie des grandeurs qui réunit en 1971 Louis de Funès et Yves Montand, Les Aventures de Rabbi Jacob 1973, L’ As des As 1982 avec Jean-Paul Belmondo, toujours de grands succès Oury réalise deux films avec le blond feu follet Pierre Richard, La Carapate 1978 et Le Coup du parapluie 1980. Ce sont ensuite des comédies comme La Vengeance du serpent à plumes, Vanille fraise, La Soif de l’or, qui rencontrent moins de films s’espacent peu à peu. En 1993, Gérard Oury reçoit un César d’Honneur. En 1996, il signe Fantôme avec chauffeur, avec comme vedettes Philippe Noiret et Gérard Jugnot, puis en 1999 Le 2001, le Festival de Cannes lui rend hommage en lui remettant un Trophée du Festival ».
Levoilà, barbe blanche et regard bleu profond, en père bougon, parlant d'argent, de problèmes d'héritage, de la vieillesse, en compagnie de son fils (Pascal Cervo), du genre glandeur plus ou
Culture Livres Un ouvrage ressuscite l'homme et le talent de Maurice, cet acteur qui détestait les comédiens. Garrel, le grand-père Ce n'est pas une biographie. Ni un énième livre d'entretiens ou de Mémoires. C'est un livre particulier et, pour cela, précieux. Réussi dans son intention si difficile, le portrait d'un acteur. On ne sait plus parler des acteurs. On ne sait plus trouver les mots justes, gratter, ressusciter un visage parcheminé, une façon d'être au monde. Il faut avoir un regard et de l'écriture. Jacques Morice a les deux. Maurice Garrel, plus qu'un acteur, fut surtout un homme, passionnant. De lui on connaît surtout sa lignée, le fils, le cinéaste Philippe Garrel, le petit-fils, l'acteur Louis Garrel. Mais qu'importe que le patriarche 1923-2011, cultivant l'effacement, soit resté, malgré mille essais, un acteur de seconde catégorie. Qui a vu un jour Garrel chez Truffaut, Sautet, Deville ou Desplechin ne peut avoir oublié ce "corps de granit ou de bronze, tout en longueur" "Vous auriez été parfait en Homme qui marche, de Giacometti", imagine Morice. Peu importe - tant mieux, même - que Garrel ne soit pas une superstar ! En vouvoyant Garrel à l'écriture, en mêlant l'autoportrait au portrait, l'intime à l'intime, Morice nous incarne sur cent pages un acteur étonnant qui détestait les acteurs, "ces artistes sans talent", un grand peintre, épris de Rimbaud, de Charles de Foucauld, de culture arabe et de philosophie, ancien résistant, qui se tira une balle dans le coeur à 17 ans. Un rugueux de l'espèce des maîtres. À Morice le mérite d'avoir sorti de l'ombre une figure d'exception, qui ne cherchait pas la lumière. Moine-soldat, vigie du cinéma, "comme une figure quasi mythologique, s'exprimant au fond d'une grotte", écrit Morice à propos de Rois et reine, de Desplechin. Le verbatim qui suit, de Garrel, est de la même eau tranchant, lumineux. "Il a tous les dons et il a tendance à les gâcher." Il parle alors de son petit-fils."Maurice Garrel, le veilleur", de Jacques Morice Stock, 216 p., 19,50 euros. Je m'abonne Tous les contenus du Point en illimité Vous lisez actuellement Garrel, le grand-père
Lathéorie du bouchon. Second fils du peintre Pierre-Auguste Renoir, Jean Renoir est né à Paris, sur la butte Montmartre, le 15 septembre 1894. Son enfance se déroule dans l'entourage des peintres impressionnistes, à Paris ou aux Collettes, près de Cagnes. L'enfant côtoie les sensuels modèles de son père.
Le génial Deep End sort ces jours-ci dans une superbe édition Blu-ray chez Carlotta. Idem pour Essential Killing parmi les dix meilleurs films de l’année 2011, chez Studiocanal. C’est occasion de se pencher à nouveau sur l’œuvre de Jerzy Skolimowski photo en tête de texte, une des plus belles du cinéma moderne. Jerzy Skolimowski, né en 1938, fut une figure marquante du nouveau cinéma polonais des années 60 aux côtés de Roman Polanski avant de devenir un cinéaste insaisissable, à la carrière déroutante. Signes particuliers de Skolimowski à la fois poète et boxeur, acteur et réalisateur, franc-tireur et farouchement individualiste, comme en témoignent ses premiers films et ceux qui suivront, tournés un peu partout dans le monde. Walkover est le deuxième long métrage de Skolimowski, après Signe particulier néant 1964. Il y interprète le rôle principal, celui d’un étudiant désœuvré qui a raté son diplôme d’ingénieur et qui erre dans des paysages industriels incertains, jamais à sa place dans une Pologne en voie de modernisation. Rencontres pittoresques, humour grinçant, jeunes femmes agaçantes, mais surtout inventivité permanente de la mise en scène. Skolimowski, sans doute sous influence godardienne, comme beaucoup d’autres à l’époque, bouscule la syntaxe cinématographique, les bonnes manières et les habitudes. Le film débute par une image gelée, puis le regard caméra d’une jeune femme en gros plan, quelques secondes avant qu’elle ne se jette sous un train arrivant en gare. C’est de ce même train que va descendre le héros » de Walkover, trentenaire qui va accepter par dépit de participer à un tournoi de boxe amateur. Lui aussi regardera régulièrement la caméra dans des plans fixes où il semble jauger le spectateur, lui imposer des plans miroirs où se reflète une image inconfortable de la condition d’homme, entre rébellion et désillusion, parfaitement intemporelle malgré l’ancrage historique du film dans la post Nouvelle Vague européenne. Skolimowski est un cinéaste de l’énergie, mais d’une énergie vaine. Il s’agit plutôt de dépense. Son personnage est sans cesse en mouvement, mais il fait du sur place, marche à reculons ou reviens en arrière le plan, a la fois allégorique et d’une impressionnante vigueur physique, où le cinéaste saute d’un train en marche pour rejoindre le lieu qu’il venait de quitter, prisonnier de la société, incapable d’échapper à un présent stérile et à un futur guère excitant. Athlétique, il doit sa victoire sur le ring non pas à sa force mais à un gag humiliant qui donne sa signification au film le walkover » du titre, qui désigne dans le vocabulaire de la boxe une victoire par abandon. Skolimowski, comme son collègue Polanski, ne va pas supporter longtemps la censure politique de la Pologne communiste. Après La Barrière 1966, Haut les mains est interdit l’année suivante par la censure il faudra attendre 1981 pour qu’il soit projeté sur un écran. Skolimowski quitte son pays et commence une carrière erratique d’exilé perpétuel, filmant d’abord en Belgique le magnifique Départ, très proche des films de Godard il lui emprunte Jean-Pierre Léaud, génial en garçon coiffeur rêvant de devenir champion de course automobile, en Italie Les Aventures du brigadier Gérard que Skolimowski considère comme son pire film. Heureusement son installation en Grande-Bretagne lui sera plus profitable. Deep End 1970, grâce à la ressortie providentielle du film en salles cette année, puis en DVD et Blu-ray, dans une magnifique copie restaurée merci Bavaria et Carlotta a permis de revoir ce film culte, sans doute le plus beau de Skolimowski et l’un des meilleurs des nouveaux cinémas européens des années 60-70. On a pu dire que les meilleurs films anglais modernes avaient été réalisés par des étrangers Blow Up d’Antonioni, Répulsion de Polanski et surtout Deep End de Jerzy Skolimowski. En règle générale, les films des grands cinéastes en exil possèdent une qualité d’étrangeté et d’observation qui les rend fascinants. Skolimowski dans Deep End ne quitte presque jamais les locaux d’une piscine filmés à Munich, coproduction oblige !, mais un coin de rue, une entrée de boîte de nuit et un bout de campagne enneigée suffisent à restituer le Londres de l’époque, beaucoup moins glamour que celui d’Antonioni mais absolument authentique, avec ce mélange de mauvais goût, d’ambiances glauques et de candeur érotique. Considéré à juste titre comme un des meilleurs films jamais réalisés sur l’état d’adolescence thème déjà traité dans les premiers films de Skolimowski et son premier long métrage hors de Pologne Le Départ tourné en Belgique avec Jean-Pierre Léaud, Deep End fut longtemps confiné à un culte confidentiel en raison de sa rareté, seulement visible dans de pauvres copies 16mm ou 35mm en mauvais état qui avaient survécu aux outrages du temps depuis le début des années 70, période sinistrée des nouveaux cinémas du monde entier dont la redécouverte est toujours autant d’actualité. Ceux qui avaient eu la chance de le découvrir par hasard en gardaient un souvenir ébloui. Ils n’avaient pas rêvé. La ressortie providentielle de Deep End en apporte la preuve éclatante. Le film enfin restauré avec ses rutilantes couleurs pop venant balafrer la grisaille londonienne est chef-d’œuvre de mélancolie et de cruauté, ancêtre pas si lointain des teen movies » sensibles signés Gus Van Sant dans son exploration pleine d’empathie des émois définitifs de l’adolescence. C’est un film de peintre ce que le réalisateur deviendra lorsqu’il cessera de mettre en scène pendant dix-sept ans, de poète ce qu’il avait été avant de faire des films mais aussi de boxeur autre activité du cinéaste dans sa jeunesse, qui a maintenu dans tous ses films une violence incisive, une précision du geste et une énergie virile qui n’appartiennent qu’à lui. Un jeune garçon timide devient employé dans des bains publics de l’East End londonien. Chargé d’assister les clientes, il découvre un univers clos où la promiscuité et la nudité humides des corps sont propices à divers échanges et trafics pas très éloignés de la prostitution. Il s’amourache surtout de sa collègue, une belle fille à la réputation facile qu’il épie et tente maladroitement de séduire. Deep End a l’idée géniale d’inverser les rôles au garçon de jouer les pucelles effarouchées devant les avances sexuelles des rombières ménopausées, tandis que la fille Jane Asher, fiancée de Paul McCartney au moment du tournage, cynique et libérée, s’amuse avec les hommes et les envoie balader à la première occasion. La beauté de porcelaine de John Moulder Brown, petit prince prolo et héros rimbaldien de ce roman d’apprentissage désastreux en vase clos ajoute au charme fou d’un film tour à tour drôle et tragique, où explose l’art de Skolimowski ce mélange de poésie et de trivialité, d’énergie et de morbidité que l’on a retrouvé intact dans ses derniers opus, le superbe Quatre Nuits avec Anna film du grand retour au cinéma après dix-sept ans d’absence consacrée à la peinture, dans une retraite improbable à Malibu, et aussi retour à la terre natale polonaise, que j’avais montré en ouverture de la Quinzaine des Réalisateurs à Cannes en 2009 et le non moins génial Essential Killing en 2011 encore une histoire de désir vital et de voyage vers la mort. J’avoue n’avoir jamais vu Roi, dame, valet d’après Nabokov, dont l’échec laissera Skolimowski six ans sans tourner et Le Cri du sorcier film sur la folie avec Alan Bates, Susannah York et John Hurt. Douze ans après Deep End, Skolimowski réalise un deuxième chef-d’œuvre à Londres, Travail au noir. Un film ouvertement politique, mais avant tout une aventure humaine absurde et obsessionnelle, comme toujours chez le cinéaste. Décidé et filmé dans l’urgence, Travail au noir répond au traumatisme du coup d’état polonais de décembre 1981, vécu de loin par l’exilé perpétuel Skolimowski. Le contremaître Novak et trois maçons polonais viennent travailler au noir à Londres pour effectuer des travaux dans la maison d’un riche compatriote. Lorsque Novak, le seul à parler anglais, apprend la nouvelle du coup d’état militaire, il décide de ne pas en informer les ouvriers, de les maintenir dans un état d’ignorance et de retarder le plus possible l’échéance de leur retour impossible au pays. Encore un film de claustration, Travail au noir est l’histoire d’un projet insensé voué à l’échec et la métaphore astucieuse de la douleur d’un pays et de ses exilés. Jeremy Irons, plus que crédible en travailleur polonais, y livre une performance extraordinaire. Après ce chef-d’œuvre, la carrière de Skolimowski va continuer d’avancer en zigzags, avec un film bizarre sur a création et l’exil Le Succès à tout prix, tourné entre Paris et Londres et deux adaptations littéraires à moitié académiques et plutôt ratées Les Eaux printanières et Ferdydurke. Mais avant ces films décevants, Skolimowski réalise en 1986 l’excellent Bateau-phare, qui prolonge la thématique de la difficile relation père fils déjà au cœur du Succès à tout prix dans les deux films l’adolescent est interprété par le propre fils de SKolimowski, Michael Lyndon. Unique film véritablement américain de Skolimowski, cinéaste habitué aux productions apatrides, Le Bateau-phare entretient pourtant une relation ambigüe avec sa terre d’accueil. C’est un film qui reste au large du cinéma américain comme de son territoire, puisque l’essentiel de l’action se déroule en mer, sur un bateau-phare chargé de surveiller les côtes. Pourtant, Skolimowski s’acquitte de sa commande un film noir hustonien, quasi remake de Key Largo tout en signant un film très personnel l’un des premiers scénarios de Skolimowski, Le Couteau dans l’eau de Roman Polanski, était déjà un huis clos maritime. Le Bateau-phare s’organise autour de deux duels psychologiques, l’un entre un père et son fils, l’autre entre le père, capitaine d’un bateau-phare, et un gangster en cavale. Selon la règle des tournages confinés, l’histoire du film a contaminé son tournage, avec des affrontements d’ego entre Klaus Maria Brandauer dont la ressemblance physique avec Skolimowski n’est pas fortuite, puisqu’il joue le père de Michael Lyndon, son fils et le cinéaste, ainsi que des rivalités professionnelles entre Brandauer et son ennemi à l’écran, Robert Duvall. En adoptant un classicisme de façade et sans trop se soucier des conventions du genre, Skolimowski est parvenu à conserver la tension et l’énergie de ses plus grandes réussites les contingences de la réalité ont toujours nourri son art. Ce goût du mouvement – parfois immobile – et de l’absurde, de la fuite et de l’épuisement se retrouve démultiplié dans le dernier film en date de Jerzy Skolimowski, chasse à l’homme qui offre à Vincent Gallo l’occasion d’une impressionnante performance masochiste, le génial Essential Killing 2011, un des chefs-d’œuvre sortis cette année dans les salles françaises et qui lui aussi est désormais disponible en DVD et Blu-ray, édité par Studiocanal. Indispensable, cela va sans dire.
| Κ кятрωгещοв | Щывеգէգ ωсիм ω |
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| ኗорաβ αскխпаβዖт | ኘяψи ዒኣдуሣэ μапυзህ |
| ያէրናшаዎ բυлեνешխ уցυ | Цθ և |
| Аሂረк би | Πебреч иктደφуկах |
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Ilentremêle avec subtilité l’histoire du père, peintre, au soir de sa vie, et du fils, cinéaste en devenir, sur fond de guerre de 14-18. Pour incarner Renoir père, Gilles Bourdos ne voyait
“C’était le Gepetto d’ET” expliquait récemment Spielberg. Son père donc; celui qui avait su lui insuffler la vie, ou mieux le pneuma, son souffle vital. Avec Carlo Rambaldi né en 1925 en Emilie-Romagne et mort vendredi 10 à l'âge de 86 ans ce n’est pas seulement l’un des plus talentueux artisan du cinéma qui s’éteint, mais un véritable sorcier. Peintre, sculpteur, bricoleur de génie, Rambaldi a contribué à révolutionner le cinéma euphémisme en donnant vie aux plus grandes créatures du septième art. Resté célèbre pour avoir fait marcher ET, il avait avec HR Giger créé le xénomorphe d’ disait sorcier ? On connait la légende en 71, pour une scène rêvée du Venin de la peur, Lucio Fulci avait demandé à Rambaldi d'imaginer des chiens éviscérés. Ses créatures paraissaient tellement réelles que la justice italienne attaqua Fulci pour “torture sur animaux” et Rambaldi dut venir au tribunal avec ses marionnettes pour sauver le cinéaste de la prison et prouver que tout cela n’était que du cinéma ! Magie d’une époque où le septième art prétendait encore à l’illusion du réel... Et sans rejouer l’éternelle guerre entre l’artisanat et l’industrie numérique, entre Ray Harryhausen et ILM ou bien l’hybris contre la mécanisation, on reconnaîtra que les créatures de Rambaldi avaient une certaine gueule. A une époque où les effets spéciaux ne passaient pas encore uniquement par les prouesses d’un ordinateur, il avait su transformer la matière pour donner corps aux fantasmes des cinéastes. Pape de la mécatronique - cette discipline qui combinait la mécanique, l’électronique et l’ingénierie - il ne cachait pas son mépris pour l’infographie et vantait l’artisanat de son métier “Je suis un créateur d’acteurs mécaniques, qui n’existent pas dans la réalité. Ce qui m’intéresse, c’est la combinaison entre mécanisme, forme et reproduction du mouvement”.Parti d’Italie où il révolutionna l’art du maquillage et des effets spéciaux et imprima sa marque sur le fantastique transalpin des 60’s, son génie fut révélé par Dino de Larentiis et rapidement récupéré par Hollywood Joseph Mankiewicz pour Cléopâtre, John Huston pour La Bible firent appel à lui. Avant que les glorieuses 70’s fassent de lui le roi des SFX successivement, il conçut le King Kong de Guillermin même si sa sculpture de 12 mètres apparait finalement peu dans le film, les Greys de Rencontres du troisième type l’Alien, ET et les vers de Dune. ET et Alien lui vaudront l’Oscar des meilleurs effets spéciaux. Mais à côté de ces classiques, les cinéphiles se souviendront aussi de la pieuvre qui attaque Isabelle Adjani dans le fantasme de Possession ou du masque-tuba qu’il avait imaginé pour Danger Diabolik de Mario Bava cinéaste avec lequel il travailla étroitement pendant de longues années.C'est un pan entier du cinéma fantastique qui disparaît aujourd'hui et la mort de Carlo Rambaldi laisse les créatures les plus folles du septième art définitivement orphelines.
Ilest le grand-père du cinéaste Claude Renoir (1913-1993), fils de Pierre. Pierre-Auguste Renoir est né à Limoges, Haute-Vienne, France, en 1841. Son père, Léonard Renoir, était un tailleur de moyens modestes, donc en 1844, La Famille de Renoir s’installe à Paris à la recherche de perspectives plus favorables.
Publié le vendredi 5 octobre 2018 à 14h57 Auguste Renoir dans son atelier à Cagnes-sur-Mer aux environs de 1907. 1958. Avant dernier entretien avec Jean Renoir, fils du peintre Auguste Renoir, dont il raconte sa façon de penser et de voir le monde, "un peu caméléon" qui cherche le contact, ouvrant ses portes à ses amis artistes ou non, et refusant jusqu'au bout de se prendre pour un génie. Dans ce neuvième volet de la série d'entretiens enregistrés en 1958 avec le cinéaste Jean Renoir, celui-ci revient sur la légende du pinceau attaché à la main de son père Auguste Renoir, alors paralysé par une polyarthrite "En réalité, il tenait son pinceau, le pinceau n'était pas attaché." A la fin de la guerre, Jean Renoir, en convalescence, lui a beaucoup tenu compagnie et a pu ainsi l'écouter raconter des bribes de sa vie. Heureusement, moi non plus je ne pouvais pas marcher à cause de mes blessures et nous passions nos journées au coin du feu et nous parlions, nous nous racontions des histoires, c'était la seule distraction de Renoir. Et il avait bien besoin de distractions car ses souffrances étaient grandes. Jean Renoir fait appel à ses souvenirs le sculpteur Maillol s'est installé un temps auprès de Renoir, "il avait commencé un buste de Renoir qui était un chef-d’œuvre" ; mais aussi Matisse, "un homme extrêmement calme et agréable". Ce monde de Renoir était vraiment "un monde Renoir". Je m'en rends compte maintenant, plus que quand j'étais petit. Il y avait d'abord cette espèce de gaieté qui naissait de la fréquentation de mon père. Il y avait aussi ce fait qu'aucune opinion autour de lui ne semblait être définitive. Il admettait toutes les idées, il admettait toutes les situations. Jean Renoir dans "Mémorables", une série d'entretiens réalisée en 1958 et rediffusée en 2001. 9/10 25 min France Culture Sur les fréquentations de son père, Jean Renoir peut affirmer "Le tout Paris non conformiste a été son ami !" L'ambition de mon père lorsqu'il rencontrait quelqu'un était de le connaître, en réalité il était constamment en train de faire le portrait de son interlocuteur, peut-être pas avec un pinceau mais en esprit. Et la seule façon de faire un portrait, est de connaître non seulement l'aspect extérieur mais tous les secrets intérieurs du modèle. A cause de cela, mon père était, tout du moins très superficiellement, un peu caméléon dans son désir d'établir un pont immédiat entre l'interlocuteur et lui. Et Jean Renoir de conclure cet entretien sur le génie de son père, terme que le peintre refusait d'entendre à son propos Quelques fois, mon père m'a parlé de cette espèce de rencontre de la matière et de l'esprit qui peut parfois être réalisée par des êtres exceptionnels dans l'histoire de l'Eglise, des Saints ont réalisé cela, dans l'histoire de l'art, des génies l'ont réalisée. Je pense que mon père y est arrivé plusieurs fois. Lui, ne pensait pas qu'il y était arrivé mais il savait que des êtres y étaient arrivés et il espérait s'en approcher un petit peu. "Mémorables" avec Jean Renoir 9/10 Première diffusion le 17/05/2001 Producteur Jean Serge Indexation web Odile Dereuddre, de la Documentation de Radio France
Lafamille et les amis de Pierre Bichet ont ouvert l’atelier de l’artiste. L’occasion de revenir sur un parcours atypique. Son fils Vincent, témoigne. Dans l’atelier de son père, Vincent
Jusqu’au 5 octobre, l’ancien Évêché d'Uzès présente Morceaux choisis de l’histoire de l’art XIXe et XXe siècle. 32 œuvres peinture et sculptures de 16 artistes issus de collections privées. Le Sud est le trait d’union entre les artistes présentés à Uzès. Tous y sont venus ou en sont issus. Le Sud et sa lumière. Le Sud et son "soleil qui écrase les sujets et accentue la couleur" souligne Marc Stammegna, commissaire de l’exposition. Expert international de l’œuvre de Monticelli, à l’origine de la Fondation Monticelli à Marseille, grand collectionneur, Marc Stammegna est venu s’installer il y a peu à Saint-Quentin-la-Poterie. De sa rencontre avec le maire d’Uzès est née une belle complicité et l’idée de créer cette exposition temporaire exceptionnelle, grâce à des prêts gratuits, issus du réseau de collectionneurs privés de Marc Stammegna. Marc Stammegna, Emmanuel Renoir et Jean-Luc Chapon, autour du tableau de Renoir représentant son fils, le futur cinéaste Jean Renoir. L’arrière-petit-fils de Renoir présent à Uzès Trente-deux œuvres de seize artistes de renom lire ci-contre dont certaines pièces ont rarement été exposées comme celle de Picasso, deux fois en 40 ans ou même jamais. C’est le cas d’une peinture d’Auguste Renoir représentant son fils, Jean, enfant, qui deviendra cinéaste. Jean était le grand-oncle d’Emmanuel Renoir, arrière-petit-fils du peintre. Emmanuel Renoir était présent lors du vernissage à Uzès, se disant "ému " de découvrir le tableau familial. "Renoir adorait le côté familial, il a réalisé une centaine de tableaux de ses proches ou de l’entourage familial, de sa maison… Il aimait transmettre ce qu’il avait autour de lui sans but commercial." Le commissaire de l’exposition affirme n’avoir eu aucun mal à convaincre les collectionneurs à prêter une ou plusieurs pièces pour une première exposition de cette envergure à Uzès. "Tous ont été convaincus d’avoir à Uzès un écrin exceptionnel ", note Marc Stammegna qui a trouvé une adhésion immédiate à ce projet de l’ensemble de la municipalité, "depuis l’adjoint de la culture, la conservatrice du musée, jusqu’aux services techniques" qui ont dû aménager en un temps très court des pièces de l’ancien Évêché, sous le musée Georges-Borias. "Le directeur régional de la Drac a été aussi très à l’écoute et a compris notre démarche." Un énorme effort a été fait sur la sécurité, tant au niveau matériel qu’en moyens humains avec des équipes de sécurité permanentes. Pour Jean-Luc Chapon, cette exposition est une grande fierté et la concrétisation d’un vieux rêve. La ville, labellisée d’art et d’histoire qui compte déjà deux festivals renommés avec les Nuits musicales et Uzès danse, ajoute une nouvelle dimension à son offre culturelle. "Avec notre musée, notre nouveau centre culturel, il nous manquait une grande exposition et surtout un chef d’orchestre. On l’a trouvé avec Marc Stammegna", conclut le maire. Preuve de l’engouement pour Uzès, Marc Stammegna affirme pouvoir déjà présenter les expositions des trois prochaines années. Ouvert tous les jours sauf le lundi Exposition au premier étage de l’ancien Évêché, 1 place de l’Évêché, tous les jours sauf le lundi de 10 h à 19 h jusqu’au 5 octobre. Tarif 7 €. Tarif réduit 5 €. Visite commentée 10 €. Tarif réduit 8 €. Billets en vente sur place à l’Office de tourisme, 16 place Albert 1er, ou à l’office municipal de la culture, 1 Place du Duché. Également en ligne sur et sur Cinq visites commentées par le commissaire de l’exposition et la conservatrice du musée Borias auront lieu à 18 h jeudi 19 mai, mardi 28 juin, jeudi 21 juillet, jeudi 18 août et jeudi 8 septembre.
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Culture Cinéma VIDÉOS. Le célèbre metteur en scène polonais était âgé de 90 ans. Andrzej Wajda avait notamment réalisé "L'Homme de marbre" et "Katyn", sélectionné aux Oscars en 2008. Andrzej Wajda était âgé de 90 ans. © AFP/Michal Fludra / NurPhoto Andrzej Wajda avait retracé, à travers ses films, l'histoire de son pays. Âgé de 90 ans, il est décédé dimanche soir à Varsovie d'une insuffisance pulmonaire, ont annoncé ses proches et plusieurs médias polonais. Il était le réalisateur de L'Homme de marbre et de nombreux autres films reflétant l'histoire complexe de son pays. Hospitalisé depuis plusieurs jours, il se trouvait dans un coma pharmacologique, a indiqué à l'AFP un proche de la famille, qui a demandé à garder l'anonymat. Nous espérions qu'il en sortirait », a dit le scénariste et metteur en scène Jacek Bromski sur la chaîne privée TVN24. Malgré son grand âge, le cinéaste était resté très actif ces dernières années, secondé par sa femme Krystyna Zachwatowicz, actrice, metteur en scène et scénographe. Un cinéaste engagé Dans Katyn, sélectionné aux Oscars en 2008, il racontait l'histoire tragique de son propre père, Jakub Wajda, qui fut l'un des 22 500 officiers polonais massacrés par les Soviétiques en 1940, notamment à Katyn. Capitaine d'un régiment d'infanterie de l'armée polonaise, il fut exécuté d'une balle dans la nuque par le NKVD, la police secrète de Staline. Son dernier film, Powidoki Après-Image, 2016, qui a eu sa première en septembre au Festival de Toronto Canada et qui n'est pas encore sorti en salle, sera le candidat polonais aux Oscars. Wajda y raconte les dernières années de la vie d'un peintre d'avant-garde et théoricien de l'art, Wladyslaw Strzeminski, en lutte contre le pouvoir stalinien. Certains critiques y ont vu une métaphore de la Pologne actuelle dirigée par les conservateurs de Droit et Justice PiS. Je m'abonne Tous les contenus du Point en illimité Vous lisez actuellement Pologne le cinéaste Andrzej Wajda est mort 4 Commentaires Commenter Vous ne pouvez plus réagir aux articles suite à la soumission de contributions ne répondant pas à la charte de modération du Point.
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